THE HOUSE OF BLUES & ROCK

LOS MEJORES DISCOS DEL 2013
Un año memorable para la música, con grandes de legendarios como los los Stooges, Black Sabbath, David Bowie, My Bloody Valentine, Johnny Marr, Primal Scream, entre otros. Muchas bandas experimentaron y se arriesgaron experimentando con su música mas allá de los que normalmente creaban en su cabeza.
Muchos discos fueron pan con lo mismo, pero se rescatan trabajos casí desconocidos con un enorme valor musical. Esta nuestra lista con los que consideramos los mejores 30 lanzamientos del 2013.
1. My Bloody Valentine - mbv
2. David Bowie - The Next Day
3. Paul McCartney - New
4. Black Rebel Motorcycle Club - Specter at the Feast
5. Sigur Rós - Kveikur
6. Atoms for Peace - Amok
7. Queens of the Stone Age - …Like Clockwork 
8. Daft Punk - Random Access Memories
9. Camera Obscura - Desire Lines
10. Johnny Marr - The Messenger
11. The Stooges - Ready to Die
12. Pearl Jam - Lighting Bolt
13. Motörhead - Aftershock
14. Yo La Tengo - Fade
15. Nine Inch Nails - Hesitation Marks
16. Primal Scream - More Light
17. Stereophonics - Grafitti on the Train
18. Arctic Monkeys - AM
19. The Black Angeles - Indigo Meadow
20. The Warlocks - Skull Worship
21. Hugh Laurie - Didn’t it Rain
22. Jake Bugg - Shangri La
23. She & Him - Volume 3
24. Eric Clapton - Old Sock
25. Arcade Fire - Reflektor
26. Crocodiles - Crimes of Passion
27. Body / Head - Coming Apart
28. Steven Wilson - The Raven That Refused to Sing (And Other Stories)
29. Beady Eye - BE
30. Black Sabbath - 13

LOS MEJORES EP’S DEL 2013
1. Ringo Deathstarr - Gods Dream
2. Puscifer - Donkey Push the Night
3. A Place to Bury Strangers - Strange Moon
4. Anthrax - Anthems
5. The KVB - Immaterial Visions 

 MUSICO DEL AÑO
Brian Patrick Carroll, mejor conocido como Buckethead, es un virtuoso guitarrista, multiinstrumentista y compositor quien en 2011 comenzó un proyecto llamado ‘Buckethead Pikes Series’.
Hasta finales de 2012 Buckethead había lanzado 10 discos de este proyecto, pero fue este 2013 que lo finalizó lanzando un total de 33 álbumes, cada uno en diferente formato (vinilos, ediciónes digitales, CD’s).
Al final el proyecto Buckethead Pikes Series cuenta con un total de 43 trabajos, todos compuestos e interpretados por Buckethead. Estos se suman a los mas de 30 discos en estudio que anteriormente ya había lanzado el virtuoso músico identificado por usar un gorro de KFC.
No es poca cosa lo realizado por Brian Carroll, algo único en la historia del rock y la música en general.

LOS MEJORES DISCOS DEL 2013

Un año memorable para la música, con grandes de legendarios como los los Stooges, Black Sabbath, David Bowie, My Bloody Valentine, Johnny Marr, Primal Scream, entre otros. Muchas bandas experimentaron y se arriesgaron experimentando con su música mas allá de los que normalmente creaban en su cabeza.

Muchos discos fueron pan con lo mismo, pero se rescatan trabajos casí desconocidos con un enorme valor musical. Esta nuestra lista con los que consideramos los mejores 30 lanzamientos del 2013.

1. My Bloody Valentine - mbv

2. David Bowie - The Next Day

3. Paul McCartney - New

4. Black Rebel Motorcycle Club - Specter at the Feast

5. Sigur Rós - Kveikur

6. Atoms for Peace - Amok

7. Queens of the Stone Age - …Like Clockwork

8. Daft Punk - Random Access Memories

9. Camera Obscura - Desire Lines

10. Johnny Marr - The Messenger

11. The Stooges - Ready to Die

12. Pearl Jam - Lighting Bolt

13. Motörhead - Aftershock

14. Yo La Tengo - Fade

15. Nine Inch Nails - Hesitation Marks

16. Primal Scream - More Light

17. Stereophonics - Grafitti on the Train

18. Arctic Monkeys AM

19. The Black Angeles - Indigo Meadow

20. The Warlocks - Skull Worship

21. Hugh Laurie - Didn’t it Rain

22. Jake Bugg - Shangri La

23. She & Him - Volume 3

24. Eric Clapton - Old Sock

25. Arcade Fire - Reflektor

26. Crocodiles - Crimes of Passion

27. Body / Head - Coming Apart

28. Steven Wilson - The Raven That Refused to Sing (And Other Stories)

29. Beady Eye - BE

30. Black Sabbath - 13

LOS MEJORES EP’S DEL 2013

1. Ringo Deathstarr - Gods Dream

2. Puscifer - Donkey Push the Night

3. A Place to Bury Strangers - Strange Moon

4. Anthrax - Anthems

5. The KVB - Immaterial Visions

 MUSICO DEL AÑO

Brian Patrick Carroll, mejor conocido como Buckethead, es un virtuoso guitarrista, multiinstrumentista y compositor quien en 2011 comenzó un proyecto llamado Buckethead Pikes Series’.

Hasta finales de 2012 Buckethead había lanzado 10 discos de este proyecto, pero fue este 2013 que lo finalizó lanzando un total de 33 álbumes, cada uno en diferente formato (vinilos, ediciónes digitales, CD’s).

Al final el proyecto Buckethead Pikes Series cuenta con un total de 43 trabajos, todos compuestos e interpretados por Buckethead. Estos se suman a los mas de 30 discos en estudio que anteriormente ya había lanzado el virtuoso músico identificado por usar un gorro de KFC.

No es poca cosa lo realizado por Brian Carroll, algo único en la historia del rock y la música en general.

ALVIN LEE Y TEN YEARS AFTER, LA DEFINICION DEL BLUES ROCK BRITANICO.

El pasado 5 de marzo nos enteramos de algo lamentable, Alvin Lee, guitarrista y lider de la banda inglesa Ten Years After había fallecido a causa de problemas derivados de una intervención quirúrgica de rutina, así lo confirmaron su esposa Evi, su hija Jasmin y su ex-pareja Suzanne a traves de la web oficial del músico ingles donde aun pueden leer estas palabras: http://www.alvinlee.com/

Graham Alvin Barnes nació en Nottingham, Inglaterra en 1944 y ya desde chavo le entró duro a la guitarra, y tuvo como mayor influencia a Chuck Berry, a lo largo de su carrera la influencia de Berry se notaba en sus grandes interpretaciones. Su mero mole era el blues y el reciente rocanrol, el cual fue su sello durante casí 50 años.

Para 1962, con solo 18 años formó una banda de nombre Jaybirds, después les cambio el nombre a Yard Blues y finalmente en 1966 se hicieron llamara Ten Years After con Alvin en la guitarra lider y las voces, Leo Lyon en el bajo, Ric Lee en la bateria y Chick Churchill en los teclados. fue así que grabaron una decena de albumes, que los conviertieron en emblemas del blues británico.

En 1967 salió a la luz su primer album homónimo, que además de blues combinaba el rock psicodélico de la época, su música estaba demasiado emparentada con bandas como la Crema de Eric Clapton, los Yardbirds de Jeff Beck y compañía, John Mayall y sus Bluesbreakers, etc. etc. Una época fascinante en el Reino Unido, donde jóvenes de toda clase reciclaron de forma magistral el blues gringo de antaño y lo combinaron con el rocanrol de los años 50’s.

La cumbre de su carrera llegó durante el ‘Woodstock Music & Art Fair Festival’ de 1969, para ser exactos el sabado 17 de agosto a las 8 de la noche aproximadamante, fue allí donde Alvin Lee marcó huella por la forma de tocar su guitarra, se le llamo ‘la guitarra mas rápida de Woodstock’, todo quedó documentado y ya es histórico ese baile ridículo que practicaba en el escenario además de la enorme version de su tema “I’m Going Home” que duró mas de 10 minutos, épico sin duda.

Fue en esa época donde la banda grabaría obras descomunales del rock ‘n roll: 'Ssssh' de 1969,  ‘Cricklewood Green’ de 1970 yA Space in Time’ de 1971, albumes indispensables en cualquier buena biblioteca musical. Era el punto máximo de su carrera y el mayor nivel de Alvin Lee como compositor, guitarrista y frontman de su banda.

Basta escuchar temas como "Love Until I Die", "Rock Your Mama, "Speed Kills, "Bad Scene, "Me and My Baby", "Love Like a Man", "One of These Days", "I’d Love to Change the World", "Baby Won’t You Let Me Rock ‘n’ Roll You" por mencionar solo algunas, también destacan las grandes versiones a artistas de la talla de Willie Dixon, Sonny Boy Williamson, Chuck Berry, Elmore James, Robert Johnson o Little Richard, todo esto basta para darse cuenta que tanto Ten Years After como Alvin Lee tienen su lugar reservado en el paraiso del rocanrol.

El último gran trabajo de la banda fue ‘Positive Vibrations’ de 1974, ya que su álbum reencuentro de 1989 de nombre ‘About Time’ no es del todo bueno, la banda tuvo un segundo reencuentro en 2003 pero sin Alvin Lee quien sería suplido por Joe Gooch en la guitarra y las voces, grabaron dos discos, 'Now' (2004) y ‘Evolution’ (2008), discos que ni siquiera he escuchado y no creo hacerlo, un Ten Years After sin Alvin Lee no tiene sentido.

Como solista grabó mas de 15 placas,comenzó su trabajo en 1973 con un gran álbum de nombreOn the Road to Freedom’ al lado de Mylon LeFevre, cantante de música cristiana, en dicho album participarian también George Harrison (The Beatles), Ron Wood (The Rolling Stones), Steve Winwood, Jim Capaldi (Traffic) y Mick Fleetwood (Fleetwood Mac). Paradójicamente su último álbum fue “Still on the Road to Freedom” (2012) una continuación al álbum de 1973.

En plena promoción de su último álbum, tenía previsto un concierto en el Teatro Olympia de París el próximo 7 de abril al lado de otra leyenda del blues blanco, el guitarrista Johnny Winter.

Graham Alvin Lee logró consolidarse como uno de los guitarristas mas talentosos entre sus contemporaneos, a pesar de no tener ese reconocimiento actualmente, en lo personal me parece que el buen Alvin esta dentro de los 10 grandes de todos los tiempos. Con gran dolor y pena escribimos esto como un homenaje al gran genio de Alvin Lee, su guitarra y sus canciones perdurarán para siempre, por lo menos hasta el fin del mundo y hasta 10 años mas tarde.

Iluvatar

EL ‘MARQUEE MOON’ DE TELEVISION, UNA OBRA DE OTRO PLANETA

Tuve la oportunidad de comprar el álbum ‘Marquee Moon’ de Television en una tienda HMV de Toronto por alla del 2004 (junto con otros casi 15 discos que también tienen su historia que contar)  ya que no lo había conseguido en tiendas de este país, aunque en realidad nunca lo encargué, ni siquiera en mp3 lo conseguí en esa época, así que por fortuna conseguí esa reedición del 2003 con algunas tomas alternas y el tema "Little Johnny Jewel (partes 1 & 2)"; después de escuchar y digerir por completo este álbum me dí cuenta del tiempo que había perdido musicalmente y comprendí por fin todas las referencias de lo poco que había leído o escuchado de Television, una banda de culto magnífica como pocas, amada en sus tiempos por sus amigos y colegas más cercanos como Patti Smith, Richard Hell, Debbie Harry (Blondie), Iggy Pop (Stooges), Johnny Thunders (New York Dolls, The Heatbreakers)  y hasta los Ramones, pero por desgracia menospreciados en los más de 35 años que tiene este álbum. Un trabajo sublime que cambió mi vida y la forma de apreciar el rock de los años 70’s. ‘Marquee Moon’ es para un servidor uno de los cinco trabajos fundamentales de aquella década.

Tom Verlaine, un guitarrista de otro planeta, el creador de una música pocas veces escuchada en el rock en general, Verlaine tenía la capacidad de combinar su desgarradora y agría voz con unos riffs de guitarra increíbles, memorables y demasiado bizarros, al tipo le gustaba improvisar en cada uno de sus temas y lo hacía de forma magistral. Tom Verlaine, nacido bajó el nombre de Thomas Miller, tal vez no estaba tan influenciado por el blues o el rock de los 50’s, sabemos que le gustaba el jazz, nació tocando el piano y el saxofón hasta que se decidió a tocar la guitarra gracias a The Rolling Stones, además de ser escritor de poesía desde chico, esto se ve reflejado en ‘Marquee Moon’, letras cuasi recitadas a la par de la música con esa voz única y particular, si de algo estoy seguro es que nunca volveremos a escuchar una combinación vocal-guitarra como la de Tom Verlaine, para los que creen que exagero solo tiene que escuchar este álbum y después me dicen lo que quieran.

Aunque Tom Verlaine es el genio detrás de Television, no podemos dejar de mencionar a sus otros miembros: Richard Lloyd, sin su guitarra y sus coros ‘Marquee Moon’ no hubiera sido lo mismo; Fred Smith en el bajo y coros también, finalmente Billy Ficca en la batería.

Sin miramientos el álbum empieza con lo mejor, ‘See No Evil’, un punk al mero estilo Television y con el primer riff rápido y rocanrolero que recuerda un poco a la guitarra de Alvin Lee de los Ten Years After aunque no tan blusero, este solo es realizado por Richard Lloyd. Le sigue otra de mis favoritas, ‘Venus’ un poema hecho canción dedicado muy probablemente a Patti Smith, amiga, compañera, colaboradora y pareja sentimental de Verlaine durante varios años, a la que el consideraba su Venus de Milo, al final de la letra menciona a un Richie, podría ser Richard Hell o el mismo Richard Lloyd, el solo de guitarra es dulce, melancólico y adictivo, simplemente magistral.

Continuamos con ‘Friction’ y su guitarra rasposa que presagiaba al sonido noise de los 80’s pero que al mismo tiempo sonaba al llamado proto-punk de la época, una gran tema para después seguir con el primer sencillo del álbum, la homónima ‘Marquee Moon’ y su bizarra guitarra inicial cortesía de Lloyd que después se fusiona con la de Verlaine y hacen cosas extrañas con este tema, una gran letra (I remember how the darkness doubled/I recall lightning struck itself…Life in the hive puckered up my night, the kiss of death, the embrace of life) y apartir de la mitad la canción se vuelve instrumental y Tom Verlaine desparrama su magia por mas de 5 minutos, difícil resistirse a ello, uno no puede hace más que cerrar los ojos y mover la cabeza al ritmo hipnotizante de la guitarra de Thomas, regresa la voz por un instante mas y el final de la cara A del álbum.

La cara B comienza con otro rocanrol,  ‘Elevation’, una canción que suena a post-punk y que de seguro Joy Division escuchó antes de hacer lo suyo, aunque de nuevo los riffs de guitarra superan todo. Ahora viene ‘Guiding Light’, tema co-escrito por Tom Verlaine y Richard Lloyd, una balada que comienza sonando como a Patti Smith y después aparecen reminiscencias a The Beatles, ¡si, a The Beatles!, se escucha muy británico este tema pero es más neoyorquino que nada.

Viene, la parte final del álbum con dos joyas más, un par de canciones que son simplemente hermosas y perfectas, algo tiene el siguiente tema de nombre ‘Prove It’, que siempre me ha dejado fascinado, de hecho esta canción fue lanzada como sencillo doble junto con ‘Venus’, ¡vaya sencillo! El chiste es que ‘Prove It’ es la definición perfecta de Television: melodía, rock, sentimiento, poesía, improvisación y el solo de guitarra es simplemente exquisito, quisiera que esta canción nunca terminara, pero ni modo ‘this case is closed’. La otra joya se llama ‘Torn Curtain’ nombre que viene del filme de 1966 dirigido por Alfred Hitchcock, la letra es otra poesía (Torn Curtain reveals another play/I’m uncertain when beauty meets abuse/Burn it down/Tears…rolling back the year/Years…flowing by like tears), Tom Verlaine sigue haciendo de las suyas, cuando un tema pareciera una cosa resulta ser otra y visceversa, aparece su guitarra y todo lo magnífica. El tema alcanza su climax con el riff final de casi dos minutos, dos minutos en que la guitarra de Verlaine suena perfecta, no hay palabras para describir ese fragmento, en verdad Tom Verlaine es de otro planeta, su guitarra me ha marcado por siempre, quizá por eso se les denominó como art-punk o art-rock a lo que hacían. Así termina el álbum, que quizá no comprenderán si jamás lo han escuchado.

Extraordinariamente deberíamos citar el tema ‘Little Johnny Jewel (Part One & Part Two)’ que venía como extra en esa reedición de 2003, una canción que podría llevarse una nota completa, este fue el primer sencillo de Television, grabado en 1975 y que apareció en un vinilo de 7 pulgadas  la canción se dividió en los dos lados del vinilo y Richard Lloyd no estaba de acuerdo en la selección de este tema como primer sencillo de la banda, él quería usa el tema inédito ‘O Mi Amore, (tema incluido en la misma reedición de 2003 pero sin título) incluso Lloyd llegó al extremo de casi abandonar la banda por este incidente, todo quedó atrás y fue un gran comienzo para Television, quienes eran asiduos asistentes al mítico CBGB como plato fuerte o como invitados, una gran época del rock esa que vivió Nueva York de 1974 a 1978.

‘Marquee Moon’ es una obra definitiva del rock de los 70’s, muchos álbumes clásicos se grabaron es esa década, pero Television fue una banda singular por su forma de interpretar temas propios que no se parecían a nada, aunque solo grabarían otro álbum en 1979 de nombre ‘Adventure’ y ‘Television’ el homónimo de 1992, una banda con poca trayectoria discográfica y sin grandes ventas de discos pero que editó un álbum clásico del rock y la música contemporánea, uno de los mejores debut en la historia, de esos que son obligatorios en su biblioteca musical y que tuvó  en Tom Verlaine a su genio, diferente a los demás, considerado uno de los guitarristas más versátiles y talentosos de la historia, que ha grabado más de 10 álbumes como solista y que fue el autor intelectual de ‘Marquee Moon’. Un álbum que definitivamente es de otro planeta.

Iluvatar

GHOSTS PASSING TIME

 


La historia de este post comienza un 4 de Julio de 1999, cuando una camioneta Ryder fue robada en Orange County, California. La camioneta pertenecía a la agrupación Sonic Youth, que fuera de perder una camioneta casi nueva, ésta, contenía todo el equipo que llevaban para su presentación en dicho lugar, el equipo era invaluable, muchas de las guitarras, pedales, amplificadores, batería y un largo etc…  estaban modificados para lograr ese sonido que caracteriza a los oriundos de Nueva York. La banda tuvo que comenzar desde cero, y su siguiente disco fue una manera de protestar frente a ese infortunio.


NYC Ghost & Flowers es un álbum saturado de sonido, los instrumentos presumen engreídamente su exceso de modificaciones, la letra al estilo poesía beat combina perfectamente con el ambiente; parecen enojados, pero no lo demuestran agresivamente, es saturado y sin humor.


“Free City Rhymes” abre el disco, un poema escrito a la ciudad que los vio nacer como agrupación; y el amanecer de la ciudad suena perfecto en esta canción, “Heat rises, lights through the town” canta Moore, que también puede interpretarse como su “nuevo comienzo”. Por el contrario “Renegade princess” nos habla de la noche, donde una princesa busca hacerse presente y pelear por lo que piensa; puede decirse que es la rola más “prendida” del disco.


Ahora le toca su turno al micrófono, a Kim Gordon, “Nevermind (What was it anyway)” una canción ascendente con un ambiente y una batería tranquila, “boys go to jupiter to get more stupider, girls go to mars, become rock stars“, pero el ambiente se torna serio cuando Thurston regresa al micrófono y recita al mero estilo beat “Small flowers crack concrete”, una pieza excelente. Las siguientes dos canciones son mis favoritas, la primera “Side2Side”, es  una lluvia de voces, acompañada de un sonido primitivo como el de los primeros discos de la agrupación, allá por los 80’s; y la segunda es la rara “StreamX sonik subway”, es Sonic Youth en explosión, sólo ellos pueden crear esas atmosferas saturadas y no perder el estilo, “StreamXSonik subway fare, stay in touch electric dear, our lightmap eyes together”.


La canción que lleva el título del disco es cantada por el segundo al mando, el guitarrista Lee Ranaldo, una pieza bastante buena como todo el disco; las letras de Ranaldo se caracterizan por parecer versos sueltos, pensamientos aleatorios escritos, pero relacionados de alguna forma, no sé de que hable esta canción, al principio parece hablar dentro de su cabeza Tiny flames lit in my head, hey did any of you freaks here ever remember Lenny? I can’t remember his last name” pero mientras la canción avanza se vuelven más sueltos los versos y la canción comienza a saturarse, gran pieza. El disco finaliza con "Lightnin’" una canción que surge de la experimentación libre, Kim toca la trompeta y Steve genera los sonidos.

 

Es cierto que Sonic Youth tuvo que redefinir su sonido debido al robo de sus instrumentos modificados; pero mantuvieron el nivel, no desesperaron y hasta parece que volvieron a las bases, a cuando tocaban el “Confusión is sex”. La producción estuvo a cargo de Jim O’rourke, un amigo de la banda, y que también llego a tocar el bajo en algunas canciones, él seguirá acompañando a la banda durante sus giras y dos discos más. La cereza en el pastel la aporta la portada del disco, una ilustración de William Burroughs (X-ray man)… intenté ser lo más objetivo posible, pero esté disco sin duda no tiene madre.


Rozdelena

LOS 25 MEJORES DISCOS DEL AÑO 
Aquí esta nuestra selección de los mejores 25 albumes del año 2012, sin duda, un año regular en el rock, donde Bob Dylan nos ofrecio (a nuestro parecer) el mejor trabajo del año con ‘Tempest’, seguido de los genios isladeses de Sigur Rós que regresaron con una obra maestra llamada ‘Valtari’ y en el mismo tenor del post-rock y una espera de 10 años el 'Allelujah! Don't Bend! Ascend!' de los canadienses Godspeed You! Black Emperor.
Otros que regresaron con una enorme trabajo fueron los de Sacremento, Deftones y su 'Koi No Yokan'. Ruidosos y fascinantes los discos de A Place To Bury Strangers y The Raveonettes, bandas algo despreciadas en la actual escena del rock mundial y que este año nos regalaron un par de joyas.
Además de Bob Dylan, otras grandes regresaron con disco, Paul McCartney con su 'Kisses On The Bottom', album con versiones de otros artistas y dos temas originales del zurdo ex-beatle, gran album. También esta el 'Psychedellic Pill' del veterano Neil Young y sus Crazy Horse, otra sopresa en el año.

Este nuestro recuento de los mejores 25 álbumes de este difunto 2012:

1. Bob Dylan - Tempest
2. Sigur Rós - Valtari
3. Godspeed You! Black Emperor - Allelujah! Don’t Bend! Ascend!
4. Paul McCartney - Kisses on the Bottom
5. Deftones - Koi No Yokan
6. Neil Young & Crazy Horse - Psychedelic Pill
7. A Place To Bury Strangers - Worship
8. The Raveonettes - Observator
9. M. Ward - A Wasteland Companion
10. Graham Coxon - A + E
11. Motorama - Calendar
12. Jack White - Blunderbuss
13. The Vaccines - Come of Age
14. Leonard Cohen - Old Ideas
15. The Dandy Warhols - This Machine
16. The Hives - Lex Hives
17. The Maccabes - Given to the Wild
18. Smashing Pumpkins - Oceania
19. The Mars Volta - Noctourniquet
20. Baroness - Yellow & Green
21. Grizzly Bear - Yet Again
22. The Cribs - In the Belly on the Brazen Bull
23. Ringo Star - Ringo 2012
24. Islands - A Sleep & a Forgetting
25. Air - Le Voyage Dans La Lune

Los mejores 5 EP del 2012:
1. Crosses - EP 2
2. The Album Leaf - Forward/Return
3. The Raveonettes - Into the Night
4. A Place To Bury Strangers - Onwards to the Wall
5. Dum Dum Girls - End of Daze

¿Cuál falto? ¿Cuál Sobro? Aceptamos comentarios, alagos, mentadas y lo que quieran. ¡Nos vemos 2012!

LOS 25 MEJORES DISCOS DEL AÑO 

Aquí esta nuestra selección de los mejores 25 albumes del año 2012, sin duda, un año regular en el rock, donde Bob Dylan nos ofrecio (a nuestro parecer) el mejor trabajo del año con ‘Tempest’, seguido de los genios isladeses de Sigur Rós que regresaron con una obra maestra llamada ‘Valtari’ y en el mismo tenor del post-rock y una espera de 10 años el 'Allelujah! Don't Bend! Ascend!' de los canadienses Godspeed You! Black Emperor.

Otros que regresaron con una enorme trabajo fueron los de Sacremento, Deftones y su 'Koi No Yokan'. Ruidosos y fascinantes los discos de A Place To Bury Strangers y The Raveonettes, bandas algo despreciadas en la actual escena del rock mundial y que este año nos regalaron un par de joyas.

Además de Bob Dylan, otras grandes regresaron con disco, Paul McCartney con su 'Kisses On The Bottom', album con versiones de otros artistas y dos temas originales del zurdo ex-beatle, gran album. También esta el 'Psychedellic Pill' del veterano Neil Young y sus Crazy Horse, otra sopresa en el año.

Este nuestro recuento de los mejores 25 álbumes de este difunto 2012:


1. Bob Dylan - Tempest

2. Sigur Rós - Valtari

3. Godspeed You! Black Emperor - Allelujah! Don’t Bend! Ascend!

4. Paul McCartney - Kisses on the Bottom

5. Deftones - Koi No Yokan

6. Neil Young & Crazy Horse - Psychedelic Pill

7. A Place To Bury Strangers - Worship

8. The Raveonettes - Observator

9. M. Ward - A Wasteland Companion

10. Graham Coxon - A + E

11. Motorama - Calendar

12. Jack White - Blunderbuss

13. The Vaccines - Come of Age

14. Leonard Cohen - Old Ideas

15. The Dandy Warhols - This Machine

16. The Hives - Lex Hives

17. The Maccabes - Given to the Wild

18. Smashing Pumpkins - Oceania

19. The Mars Volta - Noctourniquet

20. Baroness - Yellow & Green

21. Grizzly Bear - Yet Again

22. The Cribs - In the Belly on the Brazen Bull

23. Ringo Star - Ringo 2012

24. Islands - A Sleep & a Forgetting

25. Air - Le Voyage Dans La Lune

Los mejores 5 EP del 2012:

1. Crosses - EP 2

2. The Album Leaf - Forward/Return

3. The Raveonettes - Into the Night

4. A Place To Bury Strangers - Onwards to the Wall

5. Dum Dum Girls - End of Daze

¿Cuál falto? ¿Cuál Sobro? Aceptamos comentarios, alagos, mentadas y lo que quieran. ¡Nos vemos 2012!

SATURNO ASCIENDE

"Lateralus itself is actually a muscle and although the title does have something to do with the muscle, it’s more about lateral thinking and how the only way to really evolve as an artist — or as a human, I think — is to start trying to think outside of the lines and push your boundaries. Kind of take yourself where you haven’t been and put yourself in different shoes; all of those cliches."

“Lateralus por sí mismo es un músculo y por lo tanto el título tiene que ver algo con los músculos, es más como un pensamiento alterno, la manera de cómo se evoluciona como artista o como humano. Es tratar de pensar fuera de las líneas y rebasar nuestras fronteras. Algo como llevarnos a donde nunca hemos estado y caminar con diferentes zapatos, todos esos clichés” (Soy malo traduciendo)

Dijo Maynard para Aggro Active(2001) cuando le preguntaron qué significa Lateralus.

 

Hablar de Tool es hablar de una obra de arte, de esas pocas que la humanidad ha creado; su sonido es excelente, oscuro, agresivo, decadente, misterioso, creativo, inmenso… sus letras tienen un trasfondo que va más allá de un mensaje directo, la banda ha sabido usar todo lo que tiene en su entorno para convertir a Tool en algo más que una banda que hace música.

 

La historia de la agrupación comienza a finales de los 80’s  cuando los 4 integrantes llegan a Los Ángeles, cada uno por caminos distintos. Paul M. D’Armour(bajo)  proveniente de Spokane, Washington, se trasladó a L.A. por su industria cinematográfica al igual que el guitarrista Adam Jones (Illinois), éste último egresado de la Hollywood Makeup Academy y especializado en la escultura y el diseño de efectos especiales, llegó a trabajar en películas como Jurassic Park, Terminator 2 y Depredador 2. Danny Carey proveniente de Kansas, estudió música durante 3 años en la Universidad de Missouri teniendo como principales influencias a los jazzeros Billy Cobham y Buddy Rich  (“porque no importa que tan rápido puedan tocar, siempre puedes escuchar cada nota”) se trasladó a Los Ángeles en 1986 y tuvo varios proyectos donde experimento con diferentes tipos de batería como la eléctrica. Por último James Maynard Keenan… la historia de este personaje proveniente de Ohio está escrita en muchas de sus canciones, hijo único de una familia Bautista, presenció el divorcio de sus padres cuando apenas tenía 4 años, su padre se fue para Michigan por lo que se tuvo que conformar con verlo una vez al año durante los siguientes doce, cuando él tenía 11, su madre sufre de un aneurisma cerebral que la mantiene en coma durante 27 años, de ésta tragedia viene el título del álbum 10,000 days (2006)  y las canciones “Wings for Marie (Part 1)” y “10,000 Days (Wings Part 2)” del mismo disco, son dedicadas a su memoria al igual que la canción Judith de A Perfect Circle, uno de sus proyectos alternos. Más tarde, después, ya viviendo con su padre se une al ejército donde parte de la filosofía, como su código de honor “I will not lie, cheat, or steal, or tolerate those who do” se ve reflejada en su disco Undertow (1993). Su paso por la escuela militar sólo fue un paso para conseguir dinero y estudiar arte en la Kendall College of Art and Design, cuando llega a L.A., se pone a trabajar como diseñador de interiores en tiendas de mascotas, y ahí es donde la historia de Tool comienza.


Keenan y Jones se conocieron gracias a un amigo en común, cuando conocieron lo que hacían en lo referente a la música decidieron hacer una banda y comenzaron a hacer audiciones, Carey era vecino de Maynard pero nunca quiso participar en las audiciones, hasta que Tom Morello (RATM) amigo en común de Jones, ya que tenían una banda juntos (Electric Sheep) los presentó, y por último D’Armour que conoció a Jones gracias su profesión en el ambiente cinematográfico. La banda ya estaba completa, lo que venía nadie se lo esperaba.


Para el 2001 la banda ya era reconocida a nivel mundial, sus dos discos anteriores (Undertow 1993 y Ænima 1996) y su agresivo EP Opiate (1992) los colocaron en el gusto del público siendo un gran éxito a nivel mundial, famosos por sus presentaciones en el  Lollapalooza supieron manejar bien a los medios manteniendo su vida privada al margen, cancelando entrevistas a horas antes de que éstas se efectuaran, mostrándose a favor de la Lacrimología (ciencia que habla de hacerse camino a través del dolor emocional y físico) y en contra de la Cienciología ya que opinaban que su filosofía constipaba el avance del ser humano (durante un concierto que ofrecieron en Garden Pavillion que pertenecía a ésta iglesia, Maynard se la paso bailando como borrego en señal de protesta) sus letras y videos generaban mucha controversia como es el caso del sencillo Prison Sex; todas estas cosas mantenían a su público ocupado y a los integrantes de Tool entretenidos.

 

Su tercer álbum de estudio fue grabado entre Octubre del 2000 y Enero del siguiente año, en estudios de Hollywood y California, producido por Volcano Entertainment y publicado el 15 de Mayo de 2001. Meses antes de que saliera a la luz, se dijo que el título del disco sería Systema Encéphale y anunciaron una lista de canciones que incluía nombres como "Riverchrist", "Numbereft" y “Encephatalis”, otra táctica publicitaria ya que las páginas de descargas como Napster populares y polémicas en ese entonces, y de las cuales Maynard estaba en contra, se saturaron de versiones falsas de las canciones, un mes después se anunció que todo era mentira y que el nombre del disco sería Lateralus, un álbum que consta de 13 canciones y dura un poco más de los 70 minutos.

 

Esta obra de arte comienza con “The Grudge” canción que habla acerca de la  batalla que tiene Saturno ascendiendo y enseñándonos una lección una y otra vez hasta que la entendamos, “Saturn ascends, choose one or ten. Hang on or be humbled again… comes ‘round again” los integrantes de Tool son unos maniáticos del control y en esta canción la manifiestan. La siguiente canción, la más corta del disco “Eon Blue Apocalypse” es como una tipo introducción para la siguiente canción, “Eon Blue” es el nombre de la sala de chat de su página oficial y está dedica a un gran danés de Jones que murió de cáncer. “The patient” es de mis favoritas líricamente hablando, en mi opinión habla acerca de su madre, la situación  por la que pasó junto a ella, “the patient” como un doble significado, ser el paciente que espera y ser paciente para lo que venga “If there were no desire to heal, the damaged and broken met along, this tedious path I’ve chosen here I certainly would’ve walked away by now” este disco es algo especial y apenas comenzamos.

 

“Mantra” un canción de un poco más del minuto, en una entrevista a la revista japonesa “Buzz” en 2001 Maynard confesó que la canción es el sonido que emitió uno de sus gatos siameses mientras él lo apretaba (sonido reproducido a poca velocidad); el primer sencillo de la banda es la siguiente canción titulada “Schism” aquí los integrantes de la banda presumen su habilidad para componer, la canción está compuesta de compases complejos y el titulo de la canción habla de la separación “I know the pieces fit, cause i watched them tumble down” canta Maynard , y seguimos con dos canciones que van unidas “Parabol” y “Parabola” siempre cantadas en vivo consecutivamente y hasta la misma letra tiene sus uniones “compartiendo” parte de la composición, “This one, this form I hold now. Embracing you, this reality here, this one, this form I hold now, so wide eyed and hopeful” me encanta esa parte; son de las canciones más conocidas de la agrupación y el video que se lanzó fue producido por Adam Jones, tienen que verlo, algo increíble. La octava canción llamada “Ticks & Leeches” fue la última en ser grabada debido al enorme esfuerzo que realizó Maynard al cantarla, dejándolo afónico por un tiempo, el propio James dijo que no pudo cantar ninguna nota durante tres semanas, y esa es la razón por la que no se toca en vivo. La siguiente canción es especial y no sólo por llevar como nombre el título del álbum y ser el tercer sencillo del disco, sino porque su composición es algo único, el numero de silabas de cada estrofa concuerda con la secuencia de Fibonacci, ésta secuencia resulta de que un número es el resultado de la suma de los dos anteriores: 0,1,1,2,3,5,8,13… (0+1=1, 1+1=2, 1+2=3, 2+3=5, 3+5=8, 5+8=13… etc.) A esto agréguenle que Maynard comienza a cantar en el 1:37 de la canción o sea al minuto 1.618 promedio relacionado a la misma serie… ¡genio!

 

Los siguientes tres temas fueron concebidos al principio como una sola canción, pero después se cortaron en lo que son los temas “Disposition”, “Reflection” y "Triad”; por esa razón, la versión en vinil tuvo que cambiarse el orden de las canciones para que éstas se reprodujeran seguidas. Y finalmente cierra con "Faaip de Oiad", el título significa “La voz de Dios” en idioma enoquiano (que supuestamente es la lengua hablada por los ángeles) idioma artificial creado por el ocultista británico John Dee y Edward Kelley por allá de finales del 1500. El audio que se escucha es la de un radio escucha norteamericano que aseguraba trabajar en el Area 51.

Un disco bastante complejo que bien podrían seguir investigando y conociendo muchas cosas más de él, con este álbum la banda se consolidó, cambio muchas cosas, su música se introdujo a ondas más artísticas y profundas, el arte fue hecha por Alex Grey cosa que combino bastante bien, las hojas del disco van mostrando las distintas “capas” del cuerpo humano y en la última hoja la palabra “God”, un disco perfecto.

 

Rozdelena

Valentine, en busca de sangre y amor

Hablar de ‘shoegazing’ es adentrarnos en sus variantes vocales, porque el genero nunca cambiara musicalmente hablando, guitarras distorsionadas con una buena cantidad de noise es lo que nacio siendo y lo que será por siempre. Sin embargo hubo quien lo trató con voces duras y oscuras (lease The Jesus and Mary Chain y Spacemen 3) y quien usó las voces melódicas (Slowdive y quien nos refiere en este caso, My Bloody Valentine). Hablar de 'shoegaze' es hablar de un género musical que nace de combinar el llamado post-punk, revival rock, garage rock, dream pop, noise rock, alternative rock, neo-psychedelia y hasta blues.

Al parecer la historia le da credito a My Bloody Valentine como la banda que perfecciono el ‘shoegazing’ con solo 2 álbumes en su haber, álbumes que rayan la perfección, par de discos llenos de distorsión, melancolía, sexualidad y que hoy en día son considerados como de culto. Es dificil pensar que después de la disolución de la banda (por alla de 1993) hasta principios de los 00’s, My Bloody Valentine era una banda olvidada y poco mencionada, hasta el resurgimiento de bandas que tomaron esa música como influencia principal ahora llamada neta y comercialmente 'nu-gazing'.

La mente maestra detrás del trabajo de My Bloody Valentine se llama Kevin Shields, compositor, guitarrista, productor, ingeniero de sonido y mas, además de ser un tipo egócentrico, algo al estilo Jimi Hendrix, no sacaba una canción hasta perfeccionarla, grabandola cientos de veces, con diferentes ingenieros de sonido y personal adicional, el tipo era un loco perfeccionista que le valió ganarse el odio de unos cuantos integrantes del entonces sello independiente Creation Records.

La banda se complementaba con Blinda Butcher en la guitarra y voz, Debbie Googe en el bajo y Colm Ó Cíosóig en la batería, quien fuera el fundador junto con Shields por alla de 1983. Extrañamente todos eran ingleses, menos Kevin Shields, quién nació en Nueva York, a los 9 años se mudo a Dublin y fue allí donde nacio la banda, en Irlanda.

La banda grabó solo 'Isn't Anything' publicado en 1988 y 'Loveless' que viera la luz en 1991, difícil elegir entro los dos álbumes, pero la historia y la crítica los ponen como base del ‘shoegaze’ y mas alla. En lo personal, me quedo con su trabajo de 1991, tal vez porque lo escuche primero o tal vez porque las texturas del álbum son mas ruidosas y las voces se escuchan mejor.

'Loveless' es el sinónimo de como debería sonar el 'shoegazing', el álbum transita entre el 'noise psicodélico' (¡si es que eso existe!) y las paredes de sonido llenas de ruido, todo a la par de las voces de Kevin Shields y Blinda Butcher en temas como "Only Shallow", "To Here Knows When", "Come in Alone", "What You Want" y en sus sencillos "When You Sleep" y "I Only Said" temas que plasman como el sonido específico del dichoso 'shoegaze'.

El álbum contiene temas con tintes de ‘dream pop’ que recuerdan ese sonido oscuro y melódico de bandas como los Cocteau Twins o sus contemporaneos Slowdive y Ride, quienes bajita la mano se ganaron un nombre gracias a lo hecho por My Bloody Valentine, temas como "Loomer", "Blow a Wish", "What You Want" y "Soon", canción que contiene fragmentos que recuerdan al rave psicodélico de la movida Madchester de los 80’s y segun Shields la pieza bailable del álbum.

Dos temas restantes contiene el álbum, uno de ellos titulado "Touched" con menos de un minuto y en lo que parece ser una orquesta distorsionada o bajo los efectos de alguna droga, esta pieza se une con “To Here Knows When” de forma muy bizarra. El otro tema es la titulada “Sometimes” y en donde Kevin Shields demuestra su grandeza como compositor, un tema de guitarra con un fondo opaco que se convierte en una grandísima balada distorsionada.

Se podría hablar mucho de ‘Loveless’ a pesar de que al álbum recorre un solo camino, el ‘shoegaze’, sin embargo el legado ha sido impactante, desde grandes como Nirvana, The Cure, Smashing Pumpkins, Yo La Tengo, The Verve, Radiohead hasta mas nuevos como The Raveonettes, Glassvegas, The Pains of Being Pure at Heart, etc. Bandas gringas e inglesas han sido influenciadas por este álbum, sin importar que ninguna de estas se parezca entre sí, sorprendente.

Una joya mas del catálogo de Creation Records, disquera independiente de Alan McGee y compañía, que en su momento tenía firmados a My Bloody Valentine, Primal Scream y The Jesus and Mary Chain (no le perdían, ¡eh!).

Con solo 2 álbumes y alrededor de 7 EP’s, My Bloody Valentine se erigió dentro de la música en un género llamado ‘shoegazing’ (mirar hacía abajo-mirar a los zapatos), género que musicalmente se basa en la distorsión y la melodía como base, género que además de hacer sangrar los oidos, hace sangrar el corazón.

Iluvatar

SETTING SONS

La popularidad de The Jam en Inglaterra a principios de los 80’s tiene un significado extraño por muchas razones.

No solo por la manera tan arrasadora con la que hicieron a un lado a  The Clash y los Sex Pistols, de los que se habían visto como los parientes pobres, si no porque  nunca se le había ocurrido al cantante y guitarrista Paul Weller, escribir canciones sobre la clase obrera, hasta que fue a un concierto de los mencionados Sex Pistols.

Otra de las razones fue que a pesar del objetivo del punk que era llevar a la música elementos sociales, ninguno de ellos en realidad había previsto conseguir los que The Jam: hilar grandes éxitos musicales con muy marcados tintes de protesta.

Una de las maneras mas rápidas de colocar música en las grandes masas era mediante la aparición en el programa de televisión 'Top of the Pops';  The Clash no quizo hacer una aparición por la cuestión de hacer un playback ante las audiencias, algo que definitivamente estaba directamente en contra de los ideales de la banda.

Un factor importantísimo y que en definitiva ayudo a catapultarse al éxito con The Jam fue que tenían un toque comercial y un estilo común, cotidiano, melódico  que se resumía en un rock duro de excelente calidad. Weller escribía a menudo soberbias letras que encapsulaban las experiencias y modo de vivir de su casta social.

A pesar de que el álbum debut de 'In the City' fue un éxito rotundo, en ‘Setting Sons’ logran llegar a un nivel altísimo, muy difícil de lograr en otros trabajos de la banda (aunque los fans mas fervientes se quedan con su trabajo previo 'All Mod Cons') me atrevo a decir que llegan incluso a crear una obra maestra.

La idea básica del álbum era la de retratar tres amigos que se encontraban después de una guerra civil. Uno de ellos se había vuelto de izquierda, otro de derecha, y el tercero políticamente neutral. Una idea que los fans le recriminaron a Paul Weller diciendo que el hacer un disco conceptual era dar un paso atrás. Esto dio como resultado que se abandonara el proyecto.

Cuatro canciones estupendas salieron de ese experimento: "Thick as thieves", una canción que hace alusión a la perdida de amigos. “Burning Sky” que trata el mismo tema desde una perspectiva adulta y conservadora (no hay tiempo para sueños cuando se trata de negocios ). La oda a la guerra “Little boy soldiers”, y por su puesto la mejor del disco "The Eton Rifles", una canción de sobre la guerra con toques de comedia.

Realmente este disco y en general The Jam, no ilustra de manera tangible un movimiento radical y de izquierda, ni mucho menos la voz de una generación  como lo fue The Clash y los Sex Pistols,  pero si confirma la talla y la influencia que tuvieron en su momento. También demostraron otro concepto básico del punk y el rock en general:  “que el éxito comercial no esta peleado con la demanda social  y con sentirse orgulloso de la cultura en la que uno nació”


Ferdylan

Good save the 50 Ft Queenie

 

Imagina vivir en una granja en una zona rural inglesa, escuchando de fondo a John Lee Hooker, Capitan Beefheart y Bob Dylan mientras tu madre talla una escultura, tu padre y tu hermano castran ovejas y tu, sin enfado tocas algunas notas de saxofón. Es de esperarse que algo bueno y exquisito salga de esa imagen. Polly Jean Harvey nació y creció en Dorset; inglesa hasta el tuétano. Empezó muy joven a tocar instrumentos musicales, por lo que no le costó trabajo unirse a los chicos de la zona y experimentar con algunas bandas, no fue si no hasta que John Parish (su “alma gemela musical”) la invitó a su banda Automatic Dlamini, que PJ tomó conciencia sobre el talento que podía aportar, empezó tocando la guitarra mientras Parish lideraba en los vocales, pero ella quería mas así que Parish le dio la oportunidad de componer y cantar una canción para la banda “Heaven” que fue bien recibida y sin embargo no fue suficiente, la banda se disolvió a solo 2 años de la entrada de Polly.

Para ese entonces ella tenía 22 años y no iba a detenerse. Comenzó una nueva agrupación a la que se unieron Rob Ellis e Ian Olliveri (sustituido luego por Steve Vaughan) , ex integrantes de Automatic Dlamini. A manera estratégica optó por dejar su nombre a la banda pensando en que en un futuro alguno desistiera, ella tenía claro no abandonar su propósito. En 1992 y con un desastrozo primer show en el que fue abucheada, grabaron su primer disco con el sello independiente Too Pure, ’Dry’ un disco con el cuál empieza la conversación, una poeta del rock haciendo uso de una narrativa lúcida y agresiva, con citas literarias e históricas a manera de confesión sin auto flagelarse. ’Dry’ se dejó venir con fuerza, con un sonido proveniente del blues y el garaje rock. En este disco hace referencias a personajes históricos y bíblicos como es el caso de Samson en la rola de “Hair” o “Sheela Na-Gig” diosa celta ligada a lujuria y el exhibicionismo; en general explora conceptos de vergüenza femenina impuesta desde un punto de vista católico. Gracias a este primer material es que aún muchos la catalogan como “feminista” o en palabras propias ”una especie de hacha, devorador de hombres, vampira” jaja (cosa que se desmiente al escuchar por ejemplo el ‘To Bring You My Love’). Kurt Cobain citó este álbum como uno de sus favoritos, que mejor referencia para no perdérselo.

Para el segundo disco ‘Rid Of Me’ (1993) y con Steve Albini como productor, PJ optó por una mayor aspereza que avivaba el tono intenso, dramático y visceral de la autora inglesa en temas como “Rid of me”, “50ft Queenie”, “Dry”, “Hook” o el single “Man-Size”, que incluía una versión de Willie Dixon, “Wang Dang Doodle”, tema que popularizó en los 60 el bluesman Howlin’ Wolf. También incluyeron en el álbum una versión de Dylan “Highway 61 Revisited” sin embargo el tratamiento del disco opacó de cierta forma la lírica, por lo que PJ decidiera experimentar por su cuenta y sacar ese mismo año otra versión del Rid Of Me’ ahora llamado '4 Track Demos' con 6 tracks inéditos en una versión acústica y la ausencia de batería, que por momentos nos erizan la piel al sonar riffs electrizantes, demostrando que no hace falta mayor producción que una guitarra y la desnudez de su voz. La portada del ‘4-Track Demos’ es una joya, autoría de María Mochnacz en ese entonces novia de Parish, amiga y acompañante a lo largo de su carrera y portadas posteriores, muestra a Polly en lencería negra, lentes oscuros, una cámara fotográfica, alzando un brazo dejando al descubierto su axila peluda, en un cuarto del edificio Watergate. Este disco marcó la ruptura de su banda y dio inicio a su carrera de solista, poniendo en claro por que sería la ‘50 ft Queenie’ que gritaba ser. Le siguieron un ‘To Bring you my Love’ mas bluesero que nunca, y bajo la producción de Flood, con este disco se popularizo su estilo y ganó reconocimiento el la TV con el video de “Down By the Water” tocando temas mas sobrios pero igual de profundos, pareciera mas bien una dedicatoria a una de sus grandes influencias “Captain Beefheart” pues lo cita en varias ocasiones. 'Dance Hall at Louse Point' (1996) es un disco a dueto con su amigo John Parish, es un momento de respiro y aprendizaje para PJ pues refleja mas la personalidad de Parish. ‘Is This Desire?’ (1998) es mas experimental, oscuro y lento pero lleno de contexto, grabado en la Capilla de Santa Catarina, muy cerca de su ciudad natal, haciendo alusión a la historia de la santa en “The Wind”.

“Stories from the City, Stories from de Sea” (2000) es considerado por muchos como su obra maestra, le valió el primer Mercury Prize y la aceptación de ese público reacio a sus guitarrazos y sus gritos lastímeros. Es en este álbum donde hace dueto con Thom Yorke en “This mess we are in” luce mas guapa y femenina y con el cual todas las niñas nos acurrucamos en la camita y escuchamos con atención que se debe hacer cuando una relación se va al carajo. Es el disco mas digerible y “el mas pop” en palabras de ella, no se si tenga que ver el hecho de estar envuelta en ese ambiente newyorkino (?) Una vez terminado el revuelo se regresó a Inglaterra y grabó “Uh Huh Her”, retomando su estilo rudo, componiendo y tocando la mayoría de los instrumentos, fue un trabajo en un tono de “Hágalo usted mismo” cosas en lo que ella era experta. ‘White Chalk’, su octava producción suena mas gótica, cambiando la guitarra por el piano y su voz grave por unos agudos poco escuchados anteriormente, de nuevo de la mano de Parish y Flood. Para su novena entrega se reúne por segunda vez con Parish, jugando a mezclar gustos y estilos, Parish pareciera verla jugar desde fuera ayudándole solo cuando lo considera necesario es su complemento, por ello que Pj Harvey lo considere su alma gemela, en esta entrega sonará elegante en momentos como “The Chair” y feroz en “Pig Will Not” no es un disco tan memorable pero si interesante.

Finalmente y después de 2 años de alejarse del entorno musical regresa con un desconcertante y maduro ‘Let England Shake’ un relato nostálgico sobre su país natal, sobre la historia y matices de una guerra en ojos de los que van a combatir, de las familias que pierden hijos o amigos. Por un segundo, antes de que saliera oficialmente el álbum, la vi en un show promocional  tocando su arpa,  sonando el coro principal de la canción swing de 1953 “Istanbul, no Constantinopla” usando un vestido negro de cuello a tobillo, con unos cuernos de venado, creí haberla perdido, no sabía que esperar, era un cambio total: ¿y su minifalda de cuero?, ¿su maquillaje exagerado?, ¿su guitarra eléctrica?, ¿Por que no gritaba? Era una reacción predecible, estuve temerosa de que le pasara lo que a Bjork (sin ofender), que cayera en una experimentación incomprensible o inaccesible… ¡no! Por suerte no fue así, PJ regresó mas bonita en todos los sentidos.

 

Ha trascendido con gracia por que “es alusiva, mientras la mayoría compulsivos” es tímida y hermética con su vida, se denomina obsesiva, socializa lo necesario, y se entrega por completo a lo que le parece correcto sin importarle la crítica, y ha hecho bien. A sus 43 años recién cumplidos, con 12 discos a sus espaldas, exposiciones de arte, roles fílmicos, 2 Mercury Prize y colaboraciones con Nick Cave, Pascale Comelade, Josh Home, Mick Harvey, Thom Yorke, Tricky, Mariannne Faithfull, Bjork, Sparklehorse, entre otras, se merece todas nuestras felicitaciones. “Good save the 50 Foot Queenie”

 

-Passionless, pointless.-


Grispel

 

 

El álbum debut de esta banda británica, originaria de  Teignmouth, Devon; es una joya que salió a la luz un 4 de Octubre de 1999, a través de Mushroom Records, un sello discográfico australiano formado por  Michael Gudinski y Ray Evans en 1972 y que ahora forma parte de Warner Bros.

 

El trío conformado por Mathew Bellamy (voz, guitarra, piano, teclado), Domini Howard (batería) y  Christopher Wolstenholme (bajo) hicieron de Showbiz un disco sencillo, con ritmos simples y letras llegadoras que si lo comparamos con sus discos posteriores, la banda ahora experimenta con mas sonidos y distintos arreglos.

 

El disco comienza con Bellamy en el piano; se presenta con un ritmo oscuro y cantando “She burns like the sun, and I can’t look away, Sunburn fue el 4° sencillo de los 5 que salieron. La segunda pieza, también sencillo, comienza ahora introduciendo a Wolstenholme con su bajo pesado y su ritmo sencillo, Muscle museum es sin duda, una de las mejores canciones de la banda; con Fillip las cosas se alegran un poco It’s got to be there, It’s got to be now, or I’ll lose forever.  Falling down es una bonita canción que le canta a alguien que le rompe su corazoncito en dos Too late, I already found what I was looking for… You know it wasn’t you”; la siguiente canción Cave, es de esas que me gusta escuchar cuando la gente llega a hartarme, es fuerte, es rápida, es cruda It’s nothing to do with you and it’s still nothing that you can do, so come in my cave and I’ll burn your heart away”

 

Showbiz, la canción que le da el nombre al disco, es todo un himno, el álbum llega a su climax, la estructura ascendente de la canción es impresionante, y con una letra que llega a las entrañas “forcing our darkest souls to unfold, and pushing us into self destruction”.

 

Pero el disco sigue, Unintended, una voz y una guitarra, bella… pero Matthew quiere seguir raspándole a la eléctrica y en Uno es donde más distorsionada se oye esa guitarra que parece gritar voces oxidadas. “It burns inside of me, cos you’re so solid” canta en Sober y “You’re uncontrollable, and we are unloveable” en Escape. El disco casi llega a su final con Overdue un rock muy ameno y con mucho ritmo, y finaliza con un canto al amor y al odio Hate This & I’ll Love You.

 

Mucho ha cambiado esta banda desde ese concurso de bandas que ganaron cuando apenas tenían 15 años y se hacían llamar Rocket Baby Dolls, su sonido ha evolucionado, este disco es sólo el comienzo de la locura, su siguiente material “Origin of simmetry” es otra joya que no deben pasar por alto al igual que “Absolution”, ésta trilogía es excelente, el bajo es veloz, la guitarra enérgica, como a llegué a leer en alguna parte, parece que sale de la turbina de un avión, y la batería como siempre es una columna vertebral que sabe unir cada aspecto de la música que genera Muse, aunque ya no son lo que eran en esos primeros años, Mathew Bellamy y compañía es una banda la cual merece atención y si tienen la oportunidad de verlos en vivo, no se van a arrepentir, por algo son considerados como una de las mejores bandas que ofrece shows en vivo.


Rozdelena